Planeta Musical Sur

Un mundo de cinco cuerdas: el que recrean los sonidos del virtuoso del contrabajo Renaud Garcia Fons

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-09-02T03:03:59Z

Lo más probable es que uno piense que una mezcla de jazz europeo, músicas árabe y española, tango, y rock de los setenta jamás podría funcionar. Pero alguien lo hace, y bien. Es este virtuoso excepcional del contrabajo de cinco cuerdas llamado Renaud García-Fons, que mueve el arco sobre su instrumento con la agilidad con la que un guitarrista flamenco mueve sus dedos, produciendo uno de los lenguajes más originales y seductores de los últimos tiempos. Hoy posiblemente el contrabajista más asombroso en el mundo, es conocido por su virtuosismo apabullante, su sentido melódico mediterráneo, y su sonido con arco parecido a una viola.

Todas las historias son casuales. En todas, lo más interesante es lo que podría haber sido de otra manera. Por ejemplo, si el niño Renaud García-Fons no hubiera sido hijo de un pintor, y si ese pintor no hubiera sido invitado a la inauguración de la muestra de un colega, o no hubiera decidido llevar con él a su hijo. Y si en esa inauguración no hubiera tocado el formidable contrabajista sirio François Rabath, que en Buenos Aires tuvo su momento de fama, dentro de un discreto mundo intelectual, cuando actuó como acompañante de Paco Ibáñez. De ser así, probablemente todo hubiera sido diferente y ese alumno de conservatorio, que entre los 12 y los 14 años formó grupos de rock y que había pasado por tempranos estudios de piano y guitarra clásica no se habría convertido, con el tiempo (o quizá sí, pero de otra manera), en una de las pocas figuras realmente originales que el jazz actual tiene para ofrecerle al mundo. En ese caso, Renaud García-Fons no sería el único músico actual capaz de producir una música en donde se mezclen el jazz, el flamenco, el tango, las nubas árabes, los ragas indios, los cortes abruptos y los ritmos intrincados del rock y el jazz-rock de los setenta, todo eso sumado a un virtuosismo descomunal en el manejo del contrabajo de cinco cuerdas, y a una capacidad inusual para armar grupos en los que todos sean capaces de mezclarse en la máxima de las armonías, y en la más singular de las bellezas. Su historia, además de las casualidades, pasa por sus estudios de armonía y composición, además de contrabajo, en el Conservatorio de París, por su aprendizaje junto a Rabbath, por sus trabajos –cuando tenía más o menos veinte años– con músicos de bebop como Kenny Clarke,y, en particular, en el Slow Club y en La Caveau de la Huchette, hasta que llegó a la Orchestre National de Jazz, que en ese momento dirigía Claude Barthélémy. Acompañante de la cantante flamenca Carmen Linares, de la argentina Silvana De Luigi (con la que hace tango junto a Jean Louis Martinier) y de la grecoparisina Angélique Ionatos, García-Fons tocó también junto al libanés Rabih Abou-Khalil (un músico de jazz excepcional que toca el oud, un antiguo laúd árabe) y junto al guitarrista Pedro Soler (con quien registró la Suite Andalouse, de donde escucharemos los próximos 2 temas). Además estudió durante dos años la vina (el sitar del sur de la India), adaptó ciertas cuestiones del toque (sobre todo en lo que hace a la variación microtonal de una nota) a su técnica de contrabajo, y estuvo en los dos últimos CDs de Cheb Mami. Y, más allá de los orígenes españoles que delata su primer apellido y que él se ocupa de reivindicar cada vez que puede, su estilo (sobre todo esa manera de apropiarse de las culturas más extrañas sin la menor culpa y ese gusto innato por lo exótico) es absolutamente francés o, mejor aún, parisino. “Hay puentes entre las músicas más diversas”, opina García-Fons. “En mi propia música yo no siento ninguna clase de limitaciones o de ataduras. Todo se conecta y la técnica es la que funciona como eslabón. Lo que viene primero es la idea musical. Y esa idea aparece, para mí, en una forma absolutamente ligada al instrumento. En un comienzo, pienso con el instrumento en la cabeza, y esa pequeña partícula que después va a ser desarrollada puede acercarse a cualquiera de los estilos que forman parte de mi propia tradición. He tocado flamenco, he tocado jazz, he tocado tango, he tocado música árabe y de la India. Todo eso forma parte de mí y cualquiera de esas cosas, o la mezcla de todas ellas, puede aparecer en cualquier momento.” Los comentarios del programa están basados en una nota de Charlotte Dillon y otra de Diego Fischerman publicada en el periódico argentino Pagina/12. En cuanto a la música los dos primeros temas del programa pertenecen al disco de Renaud Garcia Fons titulado Oriental Bass, editado por ENJA en 1997 y donde es acompañado por Jean-Louis Matinier en acordeón, y otros nueve músicos que van desde el clarinete hasta la percusión oriental. Lo siguieron dos temas del disco de François Rabat, Live Around the World (publicado en el 2005 por Eroica Classics), para terminar la primer parte del programa con un par de temas del disco Suite Andalouse (de 1994), donde Renaud Garcia Fons se une a Pedro Soler. Mientras que en la segunda media hora, los temas pertenecen al disco de Garcia Fons titulado La Linea del sur, del año 2009, donde es acompañado por Esperanza Fernández en voz, Kiko Ruiz (en guiutarra flamenca), David Venitucci (en acordeón) y Pascal Rollando (en bongos, djembe y percusión). Es una realización de Jorge Laraia.

En el candombe pervive la memoria negra del Uruguay

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-08-25T23:26:18Z

En el Uruguay, en el Montevideo de las noches domingueras, se produce un diálogo rítmico que invita a una gran fiesta popular denominada "Llamada". En algunas esquinas del Barrio Sur o de Palermo, los históricos barrios de los negros, distintos grupos o "Cuerdas de Tambores", encienden el fuego para templar las lonjas de sus instrumentos, y emprender un recorrido por las calles hasta reunirse todos, en algún punto de la ciudad.

Uruguay es un país minúsculo para las proporciones de sus vecinos limítrofes: Argentina, Brasil y el Océano Atlántico. Su nombre completo, República Oriental del Uruguay, define su posición geográfica al este del río del mismo nombre, que junto con el río Paraná conforman la mesopotamia argentina, que desemboca formando conjuntamente el Río de la Plata, el río más ancho del mundo, con más de 200 km. de agua dulce entre sus orillas, y boca de entrada a las legendarias riquezas argentíferas de Bolivia y Perú durante la conquista española. Pero Uruguay también es cuna de géneros musicales producto del mestizaje de las tres culturas (de los indígenas charrúas, los colonos españoles y los esclavos africanos), como el tango y el menos conocido candombe. Montevideo se fundó y refundó en varias ocasiones entre 1724 y 1730. Poco después acusaba tal importación de esclavos africanos, que a principios del siglo siguiente esta población suponía más de la mitad del total. Su origen, aunque africano, no era homogéneo, ya que un 70% era del área bantú del este del África negra, y el resto del África Occidental, especialmente del golfo de Guinea. Incluso los provenientes de una misma área cultural podían configurar un mosaico étnico muy complejo, como los bantúes, bajo cuya denominación se agrupan más de 400 etnias, 20 grupos lingüísticos y 70 dialectos. El candombe es un ritmo y ceremonial de origen africano que aún perdura y deja su impronta sonora no sólo entre sus originales practicantes (descendientes de los esclavos llegados a sus riberas desde finales del siglo XVIII), sino en todo uruguayo. Hoy en día ese país, de alrededor de 4 millones de habitantes, sigue palpitando con el ritmo y el rito del candombe cada domingo y festivo, especialmente en el día de Reyes, y durante los carnavales. Es entonces cuando la calle Isla de Flores (rebautizada Carlos Gardel) que une las barriadas de Cuareim y Ansina en las zonas Sur y Palermo de Montevideo, se llena con los ecos del candombe. Por cierto, los afro-uruguayos, al héroe nacional José Artigas que lideró la lucha por la independencia del país, añaden la veneración al padre no proclamado de la patria, Joaquín Lezina, conocido como Ansina, un esclavo liberto que compuso odas musicales sobre la explotación que ejercían sus amos. De allí que el corazón de la comunidad del candombe de Montevideo residía antaño en dos conventillos, hoy en ruinas: Ansina y Medio Mundo. Las “llamadas” de las cuerdas de tambores que recorren las calles, son numerosos conjuntos en los que indefectiblemente figuran tres tipos de tambores esenciales para el candombe: el piano, el chico y el repique. El primero de ellos, el piano, es el mayor (con un parche de unos 40 cm. de diámetro) y más grave, y sirve de base para el ritmo; el chico tiene una membrana más delgada y un diámetro que no supera los 22 cm.; mientras que el repique, de tamaño intermedio (unos 30 cm. de diámetro) percute las síncopas e improvisa nuevas fórmulas rítmicas. El ritual candombero no sólo celebra el canto, el baile y la percusión. También es un espectáculo visual en el que siempre están presentes las fogatas en las que los tamborileros afinan sus parches previamente salivados. Al rato se inicia la acumulación de ritmos y toques de la cuerda (la familia formada por los tambores piano, chico y repique) hasta que “levantan presión”, y la descarga pulsátil se convierte en frenesí con cientos de personas, de cuyo hombro cuelgan los tambores que golpean con una mano abierta y con una baqueta en la otra. Las puertas y ventanas de las estrechas calles por las que discurre el cortejo, se abren para leer en la vibración del aire la memoria negra y bulliciosa de la ciudad. El candombe sólo se interrumpe cuando el jefe de cuerda decide que es hora de afinar los parches, para lo cual se vuelven a encender los fuegos. Comentarios basados en el artículo “Candombe: la memoria negra de Uruguay” de J. Rozemblum para el sitio musicasdelmundo.org y escuchamos fragmentos de dos reportajes a Ruben Rada, uno de Entrevistas en el recuerdo de Medias y Modas.com y otro de Radio Caracol A lo largo del programa disfrutamos de interpretaciones de Jorge Trasante, Yabor, Tabaré Cardozo, Eduardo Da Luz y su Conjunto, Eduardo Mateo, Ruben Rada, Los Olimareños, Jaime Roos, Lágrima Rios, Lonjas del Cuareim, Hugo Fattoruso con Rey Tambor, y Alfredo Zitarrosa. Es una realización de Jorge Laraia.

Resonancias de Benin, el país africano donde se dice que nació el vudú

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-08-18T23:33:45Z

Cuenta la leyenda que Benin fue la cuna del vudú, y que de este país fue llevado a América latina por los esclavos. La leyenda podría ser real porque la magia se percibe a lo largo y ancho de todo el territorio. Además, cuenta con playas de aguas transparentes y arenas blancas, una exuberante sabana en la que habitan muchos ejemplares de la fauna africana, y zonas montañosas en las que habitan los valientes guerreros Somba. A estos atractivos hay que sumar la riqueza tradicional de sus etnias. Los Yoruba con sus ritos ancestrales, los Aizos, Padah y Mina, los Fon y los Adja, y otros muchos más, conforman un verdadero mosaico de culturas que conviven en paz en este territorio. Benin, efectivamente, debe estar bajo el influjo de la magia.

Benin, país africano del golfo de Guinea, fronterizo con Nigeria, es, como su vecino Togo, una estrecha franja de tierra, de poco mas de 100.000 km2. que penetra desde la costa húmeda tropical hasta el reseco Sahel. La artificiosa forma es resultado de la lógica imperialista europea, ya que las potencias, habiendo fragmentado la costa desde el siglo XVII en zonas, para el control de la trata de esclavos y del comercio triangular entre Europa, América y África, avanzaron a finales del siglo XIX desde esas cabezas de playa hacia el interior. La anchura de la colonia resultante dependió así de la franja costera que se controlaba previamente. Los primeros en establecer factorías comerciales y fuertes negreros en esta parte de la costa africana, fueron los portugueses, como Porto Novo y Ouidah, que en el siglo XVI era uno de los centros de trata más importantes de África. Sin embargo, en el siglo XVIII los lusitanos perderían el control, cuando Lagos pasó a los ingleses y Ouidah a los franceses. Serían estos últimos quienes después establecerían su control sobre todo el territorio del interior constituyendo, lo que entonces se llamó la colonia de Dahomey, en referencia al reino de Danxomey, la más poderosa de las entidades políticas nativas preexistentes, cuyo desarrollo político y económico se había debido a su participación activa como proveedores de esclavos para los traficantes europeos de la costa. Dahomey obtuvo su independencia en 1960. En 1974, con la revolución marxista, pasa a llamarse Benin, en referencia al antiguo reino yoruba de Nigeria del mismo nombre. El cambio de nombre parece ser un gesto simbólico para contentar a todos los grupos étnicos que debían ahora compartir la nueva entidad política creada por el colonialismo. Puesto que Dahomey hacía referencia a uno solo del mosaico de reinos nativos precoloniales se eligió el nombre de un reino extranjero. Esta cuestión toponímica nos sitúa ante la gran complejidad histórico-cultural del país, dividido desde antiguo en muchos reinos y etnias. Pero por encima de la fragmentación étnico-política hay que resaltar una divisoria religioso-cultural fundamental: el sur, el territorio de las etnias fon y gun, es el país del vudú, del que hablaremos más tarde, y el centro y el norte, con pueblos como los baribá entre otros muchos, que son ajenos a esta práctica. La historia de Benín es muy rica. El legendario reino de Danxomey despertó interés y admiración ya que en esa época el arte satisfacía las necesidades tanto prácticas como espirituales. Sin embargo, la mayoría de los artistas sólo podía trabajar para la dinastía gobernante, destacándose sobre todo sus tapices y el trabajo en bronce. En cuanto a la música, en Benín ocupa un lugar importante en las fiestas religiosas. Para los Fon y los Yoruba la religión, llamada vudú u orisha, respectivamente, está ligada a un estilo musical particular, como cuando los fieles de la religión vudú escenifican una extensa obra de teatro musical con diversas danzas. En los rituales religiosos de los Yoruba el tema central es el de los espíritus que ocasionalmente poseen a las personas, siendo precisamente aquí donde la música tiene una función esencial: el control del estado de trance. En los complicados ritos funerarios de los Adja la música es el componente más importante, jugando un papel primordial el tambor de agua, la mitad de una calabaza flotando en una vasija de barro. Benin se jacta de ser, "La cuna del Vudú", queriendo decir que es este el territorio donde tuvo origen esta peculiar forma de religiosidad, que luego se extendió por medio de la esclavitud al Caribe y el Brasil, aunque esta es solo una verdad a medias. En primer lugar, porque en Benin el vudú solo se practica entre los pueblos de la costa, y luego, porque se trata de una religión que, con variantes regionales, se practica también en las regiones costeras de Togo y entre los yoruba de Nigeria, que influyeron, tanto como los dahomeyanos, en el desarrollo de los cultos vudús americanos. El vudú es una forma religiosa muy compleja que amalgama elementos y conceptos animistas, un particular panteón politeísta formado por un numerosísimo y confuso conjunto de dioses y antepasados clánicos divinizados, y unas prácticas religiosas que hacen hincapié en la posesión de los fieles por parte de la divinidad por medio del trance. Toma su nombre de estas divinidades, llamadas vudús en lengua fon y orishas en yoruba, y, como toda religión, comporta una filosofía que permea toda la experiencia cultural de la sociedad. Los audios pertenecen a una realización de la ONG española Manos Unidas, que desde hace varios años, financia un gran número de proyectos que promueven el desarrollo de poblaciones de Benin, mientras que los comentarios están basados principalmente en una nota de María Masquelet y otra de David Mordoh. En cuanto a la música, a lo largo del programa se escucha a varios intérpretes de Benin, entre los que se destaca Angelique Kidjo, la figura beninesa más conocida internacionalmente. También, entre otros, a la Orchestre de Sakara, Sagbohan Danialou, Julien Jacob, La Vipere, Les Freres Koud Akol y Les Frères Guedehoungue. Es una realización de Jorge Laraia.

Los sonidos de Córcega, una isla que se resiste al acento francés.

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-08-11T23:51:58Z

Jean Jacques Rousseau escribió en 1762 refiriéndose a Córcega: "El valor y la constancia con los que este pueblo supo revestir y defender su libertad, bien ameritan que algún sabio le enseñe a conservarla. Tengo el presentimiento de que algún día esta islita asombrará a Europa". Históricamente, esta afirmación se ha tomado como predicción del nacimiento del Gran Corso, que se convertiría más tarde en héroe nacional francés: Napoleón nació en Ajaccio en 1769. Sin embargo, esta "montaña en el mar" que no suma más de 260.000 habitantes, sigue hoy dando que hablar al continente.

Con una superficie de casi 9.000 km2., situada a 80 kilómetros de Italia y a 180 de la Francia continental, Córcega es “una montaña en el mar”, donde los paisajes dantescos de picos, agujas y lagos alternan con extensas llanuras apacibles. Con 120 cumbres por encima de 2.000 m nevadas en invierno, Córcega es un verdadero “depósito de agua” y la isla más montañosa y por tanto la más verde y fresca del Mediterráneo. La montaña representa el corazón de Córcega, la guardiana de sus tradiciones y de su identidad, así como el marco natural de pueblos de robustas casas de piedra. Los 25 ríos que la recorren la convierten en la isla más irrigada de la cuenca mediterránea; además, Córcega cuenta con el litoral más variado y de más riqueza, con una longitud total de más de 1.000 km. Con un Parque Natural Regional que cubre dos tercios de su superficie, Córcega es una isla altamente preservada donde se alternan reservas naturales y parajes protegidos. Dicen las últimas investigaciones que los primeros hombres llegaron a Córcega 9.000 años antes de Cristo. Desde entonces, la historia de esta «montaña en el mar», según expresión de un geógrafo, rajada por valles inmensos, coronada por crestas nevadas varios meses del año, ha sido trágica y movida. Cerca de veinte países la han colonizado. Sólo el héroe nacional, Pasquale Paoli, durante cuarenta años del siglo XVIII consiguió la independencia, y desde hace dos siglos Francia intenta asimilarla, sin resultados definitivos. Este calificado "agujero negro político" objeto de oscuros anhelos, fue causa de litigio para las grandes potencias mediterráneas dada su situación estratégica: la isla era un punto decisivo para el control de las relaciones entre Italia, España y el norte de África. Por lo general, se presenta a la Isla de la Belleza con numerosas características italianizantes dada la proximidad geográfica, y la cultura y costumbres comunes. Desde la definitiva conquista francesa de Córcega, decretada por el Tratado de Versalles de 1768, las relaciones con Francia tuvieron entonces altos y bajos; es emblemática en este sentido, la política del corso más famoso en el mundo, Napoleón Bonaparte, que más que nadie procuró el afrancesamiento de la isla. Después de una aparente reconciliación con Francia, luego de la activa Resistencia corsa en la lucha al nazifascismo, el fuerte sentimiento nacional y un nunca totalmente calmado deseo de independencia, desde siempre favorecidos por la acentuada insularidad corsa, hicieron volver a emerger el así llamado malestar corso, que a partir de la segunda posguerra ha desembocado en un verdadero movimiento autonomista y, en parte, en la fundación en 1976 del Frente de Liberación Nacional de Córcega. Dentro de la reivindicación de su identidad, un movimiento de reapropiación cultural ha sabido defender las tradiciones de una sociedad y, ante todo, su principal modo de expresión, el idioma. El corso, antaño únicamente una lengua oral, mezcla de orígenes latino e italiano, es hoy considerado un idioma de pleno derecho, y tras estar durante largo tiempo prohibido en la escuela, hoy se enseña a partir del preescolar. Este renacimiento del idioma, da impulso a la creación insular y al nacimiento de una nueva generación de actores culturales. Y algún medio imaginó que se viene una revolución nacionalista en Córcega, cuando con el lanzamiento de fuegos artificiales en las plazas de la capital Ajaccio y al grito de `Libertad`, los nacionalistas corsos festejaron, una noche de marzo pasado, la victoria conseguida en las elecciones regionales francesas. La alianza de los partidos de izquierdas consiguió arrancar a la derecha, la mayoría en la asamblea territorial de Córcega, tras 28 años de dominio absoluto del partido de Sarkozy. Pero los grandes vencedores de las elecciones regionales fueron las dos listas nacionalistas, la moderada Femu Corsica y la más radical Corsica Libera, que en conjunto sumaron el 36% de los votos y se convirtieron en la segunda fuerza política de la isla. Se trata del mejor resultado jamás cosechado, que confirma la confianza que han puesto los corsos en un renovado movimiento nacionalista que ha entendido mejor que la vieja derecha sus preocupaciones. Comentarios basados en una publicación del sitio Corsica-turismo.com, una nota de Feliciano Hidalgo para el periódico español El País, otra de Pierre Dumas para La Nación, y otra de Geraldine Lublin, columnista de la revista digital de cultura Sitio al margen. En cuanto a la música, a lo largo del programa se escuchan interpretaciones de Petru Guelfucci, y de los grupos Canta u Populu Corsu, I Muvrini y L'Arcusgi. Es una realización de Jorge Laraia.

El violinista Hernán Oliva es uno de los inmortales que pueblan Buenos Aires

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-08-05T03:19:18Z

Ese hombre bajo y regordete ha sentado su violín en la vereda. Carga 74 años en las ojeras y pasea la música por las calles, esperando que alguna mano le arroje unas monedas. Ha transitado la noche sin suerte. Ya casi nadie lo recuerda. El frío ha comenzado peligrosamente a perforarle los remiendos del alma. Es de madrugada. Está en el barrio de la Boca, a metros de la cancha de Boca, de la Bombonera, cuando el bastón se quiebra, el violín cae y destapa Polvo de estrellas en las nieblas del Riachuelo. Es 17 de junio de 1988. Hernán Oliva se acuna ya en el silencio para siempre.

Una mujer, de la que no se su nombre, comentaba que el hecho de que escuchar un disco de Hernan Oliva, le había traído un recuerdo de hace añares, de una noche en un bar semivacío en el barrio de San Telmo, y un viejito muy sencillamente vestido con un violín y una música increíble. Recuerda que cuando terminó de tocar, le dijo que escucharlo había sido extraordinario, y su novio de entonces le ofreció unos pesos "¿no se ofende, abuelo?", le dijo. Aquel hombre los aceptó con sencillez y una sonrisa. No mucho tiempo después, supieron quién había sido el violinista, al leer sobre su muerte en los diarios, y eso la entristeció más aún. 'Mi vida es simple y la puedo resumir así: yo, el violín y el violinista'. Bastó que el adolescente Oliva escuchara un disco del gran Joe Venuti para que supiera cuál era su camino. Había visto la luz en Valparaíso (Chile) el 4 de julio de 1913. Rememora Oliva que 'Mi madre Laura era una mujer chapada a la antigua y se dedicaba a las tareas de la casa. Aníbal, mi padre, era corredor de bolsa y aficionado a los burros. Pero la vocación me la fomentó mi mamá, a quien le gustaba la música. El primer juguete que tuve fue un violín chiquitito; supongo que ahí empezó todo. Recuerdo que lo salvé de un incendio cuando se quemó nuestra casa'. A los 22 años llega a Mendoza. Se ofrece en Radio Cuyo como intérprete de jazz, pero le piden que toque un tango que, sin saberlo, pintará su destino. Con el titulado Alma de bohemio consigue su primer trabajo. Recala luego en Buenos Aires y la orquesta de René Cóspito lo convoca. Transcurría 1940, cuando en la boîte Chaumière abraza su violín al piano del Mono Villegas. 'El para mí fue una escuela. Si uno no aprendía con Enrique Villegas, no aprendía más'. Luego comenzó a tocar como primer violinista en el grupo de Oscar Alemán. Pero con Oscar Alemán la historia termina mal. El mismo Oliva cuenta 'Estuve un tiempo en su orquesta, pero no lo aguanté. El embolsaba 6 mil pesos y nosotros $400. No podía ser. Nos agarramos a trompadas una noche en Punta del Este porque se le ocurrió decir ante el público que él era lo más genial de la orquesta'. En 1958 se trepa a un barco que va a Nueva York. Y sigue diciendo Hernán Oliva: 'Me hubiera gustado ir con más frecuencia a Estados Unidos, pero nunca viviría allí. Los norteamericanos viven para ellos, es otra cosa, otra vida. Yo prefiero esto, lógico'. 'Siempre me he ganado el peso tocando el violín. Mi vida económica no ha sido muy buena, qué le vamos a hacer. Para mí la música representa una válvula de escape”. Quienes lo conocían a través de su impactante interpretación de la música de jazz, o quienes lo habían sentido enfervorizándose en un “Dulce Georgia Brown”, o emocionarse románticamente con un “Noche y día”, no prestaban atención a su actuación tanguera de todos los días. Pero una noche, accidentalmente, alguien fue al local donde actuaba, y escuchó a un nuevo Oliva, totalmente consustanciado con la música porteña, aportando su avasallante personalidad para enriquecerlo, penetrando en la esencia misma de nuestra melancólica danza, para devolverla con una inusitada vibración. Y a partir de ese momento, se decidió registrar esa actividad, prácticamente desconocida para el público de Buenos Aires. La mayor dificultad residía en hallarle un acompañante que lo secundara en forma eficaz. Casualmente, Mito García, un pianista de larga trayectoria, acababa de regresar de EEUU, adonde se había trasladado enviado por la Cancillería, para intervenir en un recital de la embajada argentina en Washington. Y lo que era un viaje relámpago se transformó en una extensa gira por ese país, donde realizó, en dos meses, muchísimas presentaciones con enorme repercusión. A pocos días de su regreso, se encontró con Oliva en la discográfica Redondel, y mientras comentaba las experiencias de su gira, se sentó al piano ilustrando su charla musicalmente. Oliva tomó su violín y comenzó a tocar con el. Y en ese momento no se encontró un acompañante para Oliva. Había surgido un ensamble de dos figuras de parejo valor, unidos en una misma concepción de nuestra música. Lo que brotó espontáneamente esa tarde es lo que, trasladado al estudio de grabación, conformó este disco que hoy tengo el gusto de compartir con ustedes. Comentarios basados en una nota de Ricardo Reyes publicada en generacionabierta.com, otra de Roberto Espinosa para mundoclasico.com, otra de Hermenegildo Sábat, escrita en Septiembre de 1975, y la nota de Carlos Mayor que acompaña al disco “Nieblas del Riachuelo”, del que tomamos algunos temas en esta segunda parte del programa. En la primera media hora, los temas corresponden a dos discos del Quinteto de Hernán Oliva titulados “El paso del tigre” y “El violín del jazz”, ambos editados también por el sello Redondel. Es una realización de Jorge Laraia.

Canciones que desde muchos lugares del mundo le dedicaron a Nelson Mandela

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-07-28T23:10:40Z

Las Naciones Unidas han decidido convertir la fecha del cumpleaños del ex presidente de Sudáfrica, Nelson Mandela, en un día dedicado al activismo. El 18 de julio ya es oficialmente el Día Internacional de Nelson Mandela y este año fue elegida Madrid para su celebración. De esta manera, las NU reconocen al antiguo mandatario como un símbolo de esperanza para todos los oprimidos y marginados del mundo.

Por los 67 años de Mandela como activista, alrededor del globo miles de personas dedicaron 67 minutos al servicio público. Otros eventos también lo homenajearon. Desde una caminata solidaria en Madrid hasta un partido de fútbol en Darfur, Sudán, celebraron su cumpleaños y su lucha. También mandatarios de todas las latitudes le hicieron llegar sus saludos. El presidente Barack Obama le deseó un muy feliz cumpleaños, y mientras ordenaba el despliegue de otros 1.200 guardias para custodiar su frontera con México, el actual jefe de la Casa Blanca agregó “Luchamos para mantener su ejemplo de tolerancia, compasión y reconciliación”. Por su parte, Fidel Castro, no le dio el más optimista saludo de cumpleaños. “Hoy la humanidad está amenazada por el mayor riesgo en toda la historia de nuestra especie”, le escribió el ex mandatario cubano, refiriéndose a que la salida nuclear sería el resultado de la política de los Estados Unidos y de Israel contra Irán. "Siempre he atesorado el ideal de una sociedad libre y democrática, en la que las personas puedan vivir juntas en armonía y con igualdad de oportunidades. Es un ideal para el que he vivido. Es un ideal por el que espero vivir, y si es necesario, es un ideal por el que estoy dispuesto a morir". Con estas palabras, Nelson Mandela terminó su alegato ante la justicia en 1961. Había sido arrestado junto a otros líderes del movimiento de resistencia contra el apartheid y, acusado de alta traición, enfrentaba la pena de muerte. Al cabo del juicio, Mandela fue condenado a prisión de por vida y enviado a la cárcel de alta seguridad de Robben Island, una pequeña isla rocosa castigada por el viento, a unos 15 kms del extremo sur del continente africano. Permaneció en prisión los siguientes 27 años. Nelson Mandela, durante un cuarto de siglo, el prisionero político más famoso del mundo, Premio Nobel de la Paz en 1993, y primer presidente negro en la historia de Sudáfrica, había abierto sus ojos a la vida el 18 de julio de 1918 en Umtata, Sudáfrica, hijo del jefe de la tribu de los Tembu, quien lo bautizó Rolihlahla. Después de la educación primaria en una escuela de misioneros británicos, hizo el bachillerato en artes y luego la carrera de abogado. A los 24 años se inició en la política, durante su tiempo estudiantil en Johannesburgo, y se incorporó al Congreso Nacional Africano. Desde allí, con otros jóvenes, se dio a la tarea de rescatar de la exclusión a millones de trabajadores casi esclavos, a campesinos de zonas rurales y a profesionales. Portar sangre negra en las venas, era, y es aún, un estigma y una condena, para un mundo sin piedad. Hoy, a pesar del sacrificio de 27 años de prisión de Mandiba, como lo llaman con ese título honorario que daban los ancianos de su tribu, el dolor recorre los senderos de su país. La pobreza aumenta en progresión geométrica, según las cifras oficiales hay un 26% de desempleados, que en realidad es del 40%. La lucha contra el apartheid parecía ganada y, de hecho, el apartheid no existe en lo formal; y los adeptos al gobierno, y en particular el Partido Comunista, afirman que están dispuestos a «matar o morir» por Jakob Zuma, el actual presidente sudafricano. Pero en los hechos, la clase dirigente es la misma del capitalismo del apartheid. Es cierto que un hombre de raza negra gobierna, pero se sigue tutelando a una minoría. Más del 43% de la población vive con menos de 22 euros por mes; y ya desde 1994 las tierras están distribuidas con cifras que cuentan la verdadera historia: el 3,6 por ciento de ellas es para los negros; y más del 80% para los blancos. Para mantener el sistema, estas políticas aseguran la perpetuación del capitalismo del apartheid. Dicho sin máscara: garantizan la súper explotación de la población negra y refuerzan los obstáculos para la constitución de una nación unida y soberana. 9855 días de `prisión, 27 años sin libertad. Y ahora, ¿qué? Porque como dijera el gran poeta mexicano Juan de Dios Peza: El carnaval del mundo engaña tanto.... Comentarios basados en un artículo del periódico español El país, otro del sitio Taringa.com y un tercero de Cristina Castello una poeta y periodista, publicado en el sitio cultural argenpress. Durante el programa escuchamos temas interpretados por Johnny Clegg (Sudafrica), Souleymane Faye (Senegal), Salif Keita (Mali), Harry Belafonte (EEUU), Simple Minds (Escocia), Luca Barbarossa (Italia), Santana (Mexico), Bob Marley (Jamaica), Pablo Milanes (Cuba), Illapu (Chile), Todos tus muertos (Argentina) y Cacho Labandera (Uruguay). Es una realización de Jorge Laraia.

Sonidos para las Mil y una noches

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-07-21T23:10:51Z

Si hay una obra representativa de la más reconocida literatura oriental, es "Las Mil y Una Noches". Esta es una obra que influenció enormemente en las literaturas del mundo occidental, ya que constituye una muy rica fuente de cuentos, leyendas e historias fantásticas. Si bien es una serie de cuentos e historias hindúes, persas, abisinias, y egipcias, todo tiene una estructura que le da unidad a esta extensa obra, mediante quien relata, la hija del visir, Sherezade, la narradora que debe mantener siempre vivo el interés del cruel sultán, y así con su creatividad, astucia y sabiduría, lograr salvar su vida un día más.

El núcleo de estas historias está formado por un antiguo libro persa llamado Hazâr Afsâna (los Mil Mitos), y el compilador y traductor de estas historias al árabe es, supuestamente, el cuentista Abu abd-Allah Muhammed el-Gahshigar, que vivió en el siglo IX. La historia principal sobre Sherezade, que sirve de marco a los demás relatos, parece haber sido agregada en el siglo XIV, mientras que la primera compilación arábiga moderna, elaborada con materiales egipcios, se publicó en El Cairo en 1835. Causó gran impacto en Occidente en el siglo XIX, una época en que las metrópolis impulsaban las expediciones e investigaciones geográficas y de culturas exóticas. Aunque Las mil y una noches se tradujeron por primera vez en 1704, esa primera versión al francés, de Antoine Galland, era una adaptación, un texto expurgado de los adulterios y hechos de sangre que abundan en el libro. Compuesto por tres grupos de relatos, el libro describe de forma fantástica y algo distorsionada relatos transmitidos oralmente, que habían sido agrupados en ciclos. Se cree que muchas de las historias fueron recogidas originariamente de la tradición de Persia (hoy en día Irán), Iraq, Afganistán, Tajikistán y Uzbekistán y compiladas más adelante, incluyendo historias de otros autores. Son relatos que surgen uno del otro, es decir, al contarse uno de repente surge otro, y ese otro crea otro cuento, hasta que termina el primero, como cajas encerradas en otras cajas. En el primero, se cuenta que el sultán Shahriar descubre que su mujer le traiciona y la mata. Creyendo que todas las mujeres son igual de infieles ordena a su visir conseguirle una esposa cada día, y después ordenaría matarla en la mañana. Este horrible designio es quebrado por Sherezade, la hija del visir. Ella trama un plan: se ofrece como esposa del sultán y la primera noche logra sorprender al rey contándole un cuento. El sultán se entusiasma con el cuento, pero la muchacha interrumpe el relato antes del alba y promete el final para la noche siguiente. Así, durante mil noches. Al final, ella da a luz a tres hijos y después de mil noches y una, el sultán conmuta la pena y viven felices, con lo que se cierra la primera historia, la de la propia Sherezade. Recientemente se ha publicado lo que sería la versión original de "Las mil y una noches". Según esta edición, las noches no fueron mil y una, sino simplemente muchas, y Aladino, Simbad y Alí Babá y sus cuarenta ladrones, no formaban parte de los relatos originales, sino que fueron anexados a partir del siglo XVIII para abonar el imaginario de Oriente que se construía desde Europa. Lo que sí había, y mucho, en el texto anónimo y de tradición oral conocido como Las mil y una noches era erotismo, cargas políticas y críticas directas a la teocracia islámica, al menos así lo sostiene la versión que se presenta como definitiva, realizada por el prestigioso arabista francés de origen sirio René Khawam, recientemente editada en español por la editorial Edhasa. Y quizás sea por estas revisiones, que en el reino islámico de Arabia Saudita, "Las mil y una noches" se encuentran en "la lista negra". Por otra parte, en El Cairo, la fiscalía está considerando una demanda contra la obra, interpuesta por un grupo de abogados. Los indignados musulmanes exigen condenar a los responsables de una agencia dependiente del Ministerio de Cultura que recientemente subvencionó una nueva edición del libro, que se vendía a un precio económico y se agotó rápidamente. No es la primera vez que los musulmanes tradicionalistas egipcios intentan censurar los componentes eróticos de los relatos de Sherezade. En 1985, islamistas llevaron ante la Justicia una edición libanesa ilustrada que se vendió en Egipto. En su querella de los 80, los islamistas lograron en un principio la prohibición de la obra, pero en enero de 1986 se retiró. El magistrado alegó en su justificación de la sentencia que los pasajes eróticos de la obra no debían sacarse de contexto. Y dijo a los querellantes: “Si alguien adquiriera el libro sólo para leer esos pasajes eróticos, o es un enfermo o es un idiota”. Comentarios extraídos de una nota publicada por el periódico La Capital, de Rosario, y otra del diario Clarín, ambos de Argentina. En cuanto a la música, la escuchamos desde los países que fueron origen de los cuentos de las Mil y una noches: Farida (Irak), Devonah Shaw (Tajikistan), Anouar Brahem (Tunez), Farid el Atrache (Siria), Kapash Kulysheva (Kazakhstan), Rabih Abou-Khalil (Libano), Hassan Kassayi (Irán), Munadjat Yulchieva (Uzbekistán), Abed Azrié (Siria), Ustad Mahwash & Radio Kaboul Ensemble (Afghanistan) y Aida Nadeem (Irak). Es una relización de Jorge Laraia.

El ritmo predominante en la música cubana: el son

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-07-14T23:45:44Z

Cuba es la Isla de la Música, porque la música es oxígeno y vida para los cubanos. La existencia cotidiana de esta Isla respira y trascurre al compás de una amalgama de ritmos que se pueden escuchar en cualquier esquina, a través de una ventana o en la primera calle que se encuentre. De todas las manifestaciones artísticas, es la que ha evolucionado con mayor rapidez y fortaleza. Su progreso, incluso, influyó en el nacimiento de corrientes musicales de otros países. Así por ejemplo, se habla de cómo La Habanera, dejó su impronta en el nacimiento del tango, o cómo la estructura del son cubano fue adoptada por los propios salseros latinos para cultivar este ritmo.

Eterna deudora de la riqueza folclórica de España y del vigor de los ritmos africanos, traídos al país por los negros esclavos, la música cubana recibe también, pero en mucha menor cuantía, el legado francés depositado por los terratenientes galos y los esclavos que arribaron a la región oriental del país huyendo de la insurrección en Haití. ¨Todo mezclado¨ como escribió Nicolás Guillén, el Poeta Nacional de Cuba. Mezcla que conformó, a lo largo de los años, un vasto conglomerado de melodías y ritmos, integrantes hoy, de la identidad de la nación. Y seguramente de esa mezcla de melodías y ritmos, surgió el son, del que se derivan otros ritmos cercanos como la guaracha, el guaguancó, la rumba, el cha cha chá, el mambo, y la salsa o su versión nacional: la llamada timba cubana. Pocos ritmos en el mundo, como el son cubano, exhiben tan elocuente vitalidad a tantos años de surgido, y creo que ninguna otra música, cuyo nacimiento se localiza con precisión en los estrechos limites de la mayor de las Antillas, es hoy consumida con semejante deleite en cualquier lugar del planeta. El son cubano es una trascendente expresión del mestizaje de los elementos españoles y africanos, que se unieron bajo el techo de la atmósfera caribeña. Por lo que es rigurosamente cierto decir, que es una de las más distinguidas manifestaciones del arte popular del siglo XX. Es por esto que hay que aludir a su capacidad para seguir siendo música perpetuamente nueva, que se apresta a sonar a todo lo largo del tercer milenio. La vigencia del son está asegurada, entre otras razones, por la incesante aparición de nuevos creadores e intérpretes; pero sin dudas la madera de su corazón está constituida por un sólido bosque de artistas nacidos en la más auténtica humildad cubana. Son Cubano, Salsa o Timba, son sus nombres, pero en el fondo estamos hablando del mismo fenómeno musical, que tiene sus raíces en los trovadores santiagueros que ya hacia las primeras décadas del siglo XX, comenzaron a acelerar el ritmo de sus guarachas, a petición de sus corazones impetuosos, o del sol de Oriente. Así, casi por obra de la casualidad o la sensualidad de "la tierra caliente", los dedos corrían más deprisa sobre las cuerdas de la guitarra de Don Miguel Matamoros y de sus acompañantes. Pero el Son Cubano no dejó nunca de crecer y transformarse. Sus cultivadores iban dejando su esencia grabada en este formato musical tan especial, que se convertiría a la larga, en el alma sonora de toda la nación cubana, y a la vez, tierra fértil donde nacerían otros ritmos como el Chachachá, o el Mambo. El triunfo de la Revolución en 1959, también dejó su huella en el panorama musical cubano, y como es lógico, en el universo sonero. Algunas grandes estrellas abandonaron la isla, conscientes de que allí no encontrarían más millones, que los millones de cubanos apoyando a la Revolución triunfante. De este modo, se sumaron al nutrido grupo de músicos latinos que desde las casas discográficas norteamericanas se encargaron de difundir la música cubana, en un momento en que el telón de acero de la Guerra Fría, intentaba silenciar todas las voces procedentes de la isla. La década del 60 y 70 en Cuba, fueron testigos de una revolución musical silenciada. Los grandes músicos cubanos como Juan Formell entre otros, miran como hoy les es arrebatado el mérito de ser los padres de la fusión del Rap, el Hip Hop, y otros ritmos latinos con la música cubana, y todo, gracias al poder de los medios de información contrarios a Cuba. Comentarios basados en un artículo de José Tadeo Tápanes Zerquera, un historiador y Poeta Cubano residente en el País Vasco y Miembro de la Asociación Euskadi-Cuba, y otro del musicólogo cubano Nicolás Ramos Gandía. Durante el programa escuchamos interpretaciones del Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, Felix Baloy, de la Vieja Trova Santiaguera, Miguelito Cuni y orquesta Chapotin, la Orquesta Sensación, la Sonora Matancera, Tirso Duarte, el Sexteto Habanero, el Trio Matamoros y Guaracheros de Oriente, el Conjunto Casino, Los Van Van, Candido Fabré, Félix Chapotin, y Ibrahím Ferrer junto a Compay Segundo y Rubén Gonzalez. Es una realización de Jorge Laraia.

EuroJazz 2010 un festival que busca relacionar el lenguaje del jazz con la identidad cultural europea

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-07-07T23:25:08Z

Jean Monnet, el padre de la Europa unida, aseguró que si tuviera que volver a iniciar el proceso de unión de las naciones europeas comenzaría por la Cultura. El paso del tiempo no ha hecho más que consolidar la idea de que la Cultura constituye el corazón del proyecto de la Unión Europea, porque si en algo se fundamenta ese gran país que quiere ser Europa, es en la existencia de una identidad cultural compartida por todos los ciudadanos y ciudadanas del mismo. Es en ese sentido que, dentro de la programación cultural de la presidencia española de la Unión Europea, se organizó el festival Eurojazz 2010, que se celebró en diferentes espacios culturales de Madrid.

Desde su primera convocatoria, Eurojazz orientó su filosofía programadora hacia los músicos del ámbito continental europeo. No es asunto menor, para un festival de estas características, un cartel artístico que busque acordar el lenguaje del jazz con la identidad cultural europea. Y menos aún si los resultados demuestran que hay algo más que un boceto liviano debajo de la idea, que no se trata sólo de poner en marcha un festival de ocasión, sino de un proyecto real, sentido y respaldado por algunos de los músicos más valiosos del grueso catálogo de jazzistas europeos. Por el itinerario diferente que recorren éstos, por su edad en ocasiones, y por la escasez de medios para divulgar sus trayectorias, sería complicado que supiésemos del curso de estos artistas sin espacios como Eurojazz. Su fin, prestando atención muy especial al jazz que encara el momento actual, se presenta como la forma mejor de explicar la relación existente entre los actuales estilos que desarrolla el género, y la época en que viven quienes lo interpretan, músicos, en general, consecuencia de la mejor destilación de los fondos selectos de varias cosechas del jazz contemporáneo. El jazz no pertenece solamente a América: Europa es un continente de jazz. En palabras del director artístico Luis artín, "Eurojazz 2010" -que es un proyecto compartido con los dos países que sucederán a España en la Presidencia europea, Bélgica y Hungría-, "busca con su programación relacionar el lenguaje del jazz con la identidad cultural europea ". El festival Eurojazz 2010 llevó a Madrid a algunos de los nombres más representativos del panorama jazzístico actual. Las dispares identidades de los pueblos europeos se unieron gracias a la música jazz procedente de todos los rincones del continente europeo. Fue asi que, dentro de la programación cultural de la presidencia española de la Unión Europea, se organizó el festival Eurojazz 2010, que se celebró en diferentes espacios culturales de Madrid. El Club de Música y Jazz San Juan Evangelista lo recibió entre el 26 de febrero y el 26 de marzo, mientras que el Museo Reina Sofía lo hico entre el 6 y el 29 de abril. Una última actuación tuvo lugar el 26 de junio en el Escenario Puerta del Ángel de Madrid, dentro del programa Europa en Vivo. A lo largo del programa se escuchan a varios de los participantes. Fue el Portico Quartet, quien inauguró este festival el 26 de febrero. De entre las muchísimas denominaciones que alberga el vasto universo de la música popular, los componentes del británico Portico Quartet —que se definen a sí mismos como una “indie band”—, con el fin de hacer patentes a primera vista sus argumentos, han elegido la de “post-jazz”. En realidad, el Portico sería una formación clásica —batería, contrabajo y saxo—, si no fuera porque el cuarto instrumento lo es, realmente, en discordia, tratándose de los hang drums, un instrumento de procedencia suiza, que evoca, paradójicamente, sonoridades asiáticas. Lo siguió el cantante nacido en Panamá José James, que no es solamente uno de los nuevos talentos del jazz vocal mundial con mejor reconocimiento en los dos últimos años, si no que encima es merecido. Radicado en Minneapolis en 1975, musicalmente creció entre las escuelas de Chicago y Detroit, es uno de los cantantes revelación en la escena del jazz. Su primer álbum “The Dreamer” se consideró uno de los mejores discos del año 2008. Luego fue el turno de Djabe, una formación húngara de jazz que trabaja en el circuito natural centroeuropeo. Y, por añadidura, una de las mejor tratadas en el capítulo de exportación que desarrolla la política cultural de su país. La exhibición de sus valores como instrumentistas —y tienen todos suficientes— no es el calibre exacto de su medida. Su música, llena de influencias, con rincones expresivos, diferentes y personales, es realmente la vara de medir su talento. Una banda inclinada hacia el rock que representa una parte del jazz más actual. Se escuchó también a Nils Wogram, un trombonista alemán que es uno de los creadores que trabajan hace tiempo en pos de un lenguaje propio, que no sea fácil de acomodar a las estéticas reconocibles en las latitudes americanas. Wogram, que nació hace 37 años en Braunschweig, una de las ciudades más grandes, junto a Hanóver, de la Baja Sajonia, es uno de los más importantes músicos europeos de la generación más joven, y participa frecuentemente en giras y festivales por toda Europa y otros continentes. Otro de los participantes fue el Bobo Stenson Trio. El pianista sueco Bobo Stenson, nacido en 1944, es un ejemplo evidente de la ingenuidad que se esconde tras los adjetivos que pretenden adornar gran parte del jazz de nuestro tiempo con la ilusión de la novedad. Fogueado en el eximio circuito de clubes de la localidad sueca de Västerás, Stenson dio un giro de 180 grados a su vida profesional, estableciéndose en la cosmopolita Estocolmo, pasando a formar en la banda que acompañó las giras sucesivas de personajes como Sonny Rollins, Gary Burton o Stan Getz. Un espíritu torrencialmente inquieto encerrado en el frío prototipo de artista nórdico que no tardó en llamar la atención del trompetista Don Cherry, quien reclamó a Stenson para su grupo durante el tiempo en que decidió asentarse en Suecia, en protesta contra los bombardeos de Camboya por parte de la administración Nixon. Hijo de un guitarrista fascinado con el trabajo de Django Reinhardt, el pianista italiano que siguió, Enrico Pieranunzi, es un protagonista activo en la historia del jazz italiano y continental. Debido al oscurantismo del fascismo, el jazz italiano tuvo que aguardar a la llegada de la década de los años 70 para descubrir un verdadero “renacimiento jazzístico”. En esa época surge la figura de Pieranunzi, que, primero, colabora con jazzistas estadounidenses como Johnny Griffin, Art Farmer o Chet Baker, y, más tarde, desarrolló una fecunda carrera como titular de sus propios proyectos. Por su parte, el pianista donostiarra, Iñaki Salvador, nacido en San Sebastián en 1962, es en la actualidad uno de los nombres propios que suenan con mas fuerza en el panorama jazzistico español. Fundador de varios grupos, Iñaki Salvador, obtuvo el premio al mejor solista en una de las últimas ediciones del Festival de Jazz de San Sebastián y ha grabado con gran número de músicos y con distintos grupos de jazz. El "Iñaki Salvador Trío" estuvo activo desde comienzos de los años ochenta y llegó a recibir el Primer Premio del festival de Jazz de Getxo, siendo él mismo galardonado con el premio al mejor solista en el mismo certamen. Se escuchó además al noruego Terje Rypdal, un músico que le impuso un sonido diferente a la guitarra del jazz; admirador él mismo del estilo de Jimmy Hendrix y entusiasta rockero en sus primeros años, no quiso usar el sonido limpio que era el tradicional del género, y experimentó con éxito con su guitarra eléctrica y el uso del distorsionador para añadir un color más, a la paleta siempre cambiante del jazz. Y participaron, entre otros, el Tingvall Trío, un grupo bastante novedoso en el jazz europeo, cuyo líder es el pianista sueco Martin Tingvall, que está acompañado por el contrabajista cubano Omar Rodríguez Calvo, y por el baterista alemán Jürgen Spiegel. Cuentan con tres discos en el mercado. El último de ellos, “Vattensaga” (“Historias del Agua”) es de reciente aparición. Como también la pianista Rita Marcotulli, nacida en Roma en 1959, que en la pujante escena del jazz italiano constituye un hecho singular. Perteneciente a la generación intermedia de la corriente, entre los pioneros que capitanearon los primeros asaltos significativos al jazz, y los díscolos herederos actuales de esta tradición, Rita Marcotulli ha construido una carrera independiente, sin atender demasiado a lo que han hecho gente de su generación como Paolo Fresu, y no le ha ido mal. Y por último se escucha en el programa al guitarrista belga Philip Catherine. Para Catherine, nacido en Londres en 1942, "el jazz en Europa está en expansión porque es la música en la que el músico proyecta en mayor medida su personalidad. No porque el intérprete de Chopin no la aporte también, pero hay una diferencia, y es que el músico de jazz inventa su propia música, al tiempo que la interpreta". Es una realización de Jorge Laraia.

Descubriendo los sonidos mongoles

Radio Calf-Universidad FM 103.7 — 2010-07-01T03:50:54Z

La música de un país se forma por su paisaje y la manera de vivir de su gente. Mongolia, en el corazón de Asia, es un vasto país, aproximadamente cinco veces el tamaño de Alemania, donde interminables praderas en el sur envuelven la árida belleza del desierto de Gobi, mientras que desde las montañas Altai y Changaj cubiertas de nieve, transcurren ríos cristalinos por los bosques y llanuras. Junto con sus “cinco joyas”: caballos, camellos, vacas, ovejas y cabras, la música de los Mongoles respira la libertad y el poder de la sencilla forma de vida cerca de la naturaleza.

Mongolia es un extenso país sin acceso al mar, que se localiza entre las regiones de Asia Oriental y Asia Central. Limita con Rusia al Norte y China al Sur. Su capital es Ulán Bator, en donde radica un tercio de la población total. Esta nación es el remanente del antiguo Imperio mongol que dominó gran parte de Asia durante el siglo XIII, pero que posteriormente perdió su independencia y fue asimilado por Manchuria durante el final del siglo XVII hasta 1911, pero su independencia fue breve, ya que en 1919 las tropas chinas ocuparon la capital de Mongolia. Pero en 1921 se pudo independizar nuevamente con la ayuda de Rusia. Tres años después se proclama la República Popular de Mongolia, y adoptaría políticas comunistas y un acercamiento a la Unión Soviética. Con la caída del comunismo, se da una constitución democrática en 1992, que marca la transición a la democracia representativa, con la que el país se renombraría como Mongolia. Es el décimonoveno país más grande del mundo, con 1.565.000 kilómetros cuadrados. No obstante, el país está dominado por estepas y montañas al norte y oeste, y el Desierto de Gobi al sur. De los 2,8 millones de habitantes, existe una alta tasa de nómadas y seminómadas, que ronda un 30%. Por otro lado, un 90% de los habitantes son de la etnia mongol, y el budismo tibetano es la religión mayoritaria del país, siendo junto con Bután las únicas naciones independientes donde esta religión es predominante. En cuanto a la música, en Mongolia existe un tesoro: el Urtiin duu, los cantos largos tradicionales de los mongoles, que fue inscrito en 2008 en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. El Urtin duu o “canto largo” es una de las dos formas principales de cantos mongoles, y ocupa un lugar particular en la sociedad mongol, por lo que es objeto de veneración en tanto que es una expresión asociada a importantes celebraciones y a festividades, como en las bodas, en la inauguración de un nuevo hogar, en el nacimiento de un niño, en el momento de marcar a los potros con el hierro candente, y con motivo de otros acontecimientos sociales celebrados por los nómadas de Mongolia. La interpretación y las composiciones de Urtin duu están estrechamente asociadas al modo de vida ancestral de los nómadas mongoles en sus pastos. Hoy, partes de los prados donde vivían como nómadas los detentadores de la tradición, han sido víctimas de la desertificación, obligando a muchas familias a adoptar un modo de vida sedentario en el que numerosos temas clásicos del Urtin duu, tales como el elogio de las virtudes y de las experiencias de los nómadas, pierden su sentido. En la primer media hora, disfrutamos del grupo Egschiglen ("Preciosa melodía"), fundado en 1991 en la capital de Mongolia, Ulan Bator, como una parte de un teatro de cuentos de hadas y mitos, con el propósito de mantener viva y desarrollar la cultura tradicional de su pueblo, por un grupo de músicos que estudiaron juntos en el Conservatorio de Ulan Bator, y que se convirtieron en unos virtuosos con sus instrumentos y sus voces. Luego, el grupo Talyn Duulal, un quinteto mongol formado por músicos de primer orden, dos hombres y tres mujeres, que a lo largo de su repertorio, hacen un recorrido musical por gran parte de la cultura tradicional de su vasto país de origen. La instrumentación es, sobre todo de cuerdas, predominando el sonido del enigmático violín de cabeza de caballo, pero también hay sonidos de cuerda pulsada tipo cítara, y un magistral berimbao. Los sigue la cantante Namgar Lkhasaranova, líder de un cuarteto que ofrece un viaje por las antiquísimas culturas del este de Siberia, de la Manchuria china y de Mongolia. Música muy enérgica con instrumentos tradicionales, entre ellos el misterioso khoour, un instrumento que tiene una caja de resonancia como un trapecio, un gran mango con 2 cuerdas hechas con pelo de caballo, en el que la caja se gira hacia el frente, con una cabeza de caballo tallada en lo alto. A continuación, Urna Chahar-Tugchi, una cantante que nació en una familia de ganaderos en las praderas del distrito de Ordos al suroeste de la Mongolia interior. Criada entre caballos y ovejas y rodeada por altas hierbas y las dunas del desierto, Urna quedó imbuida del sentimiento de la infinita extensión de la estepa. La sed de esta cantante por la sabiduría y por otras culturas la llevaron de la estepa a la lejana metrópoli china de Shangai, donde, en el Conservatorio de Música de Shangai estudió el yangqin (Zitara china). Comentarios basados en un artículo del Dr. Ludwing Frambach y otro publicado en el periódico ecuatoriano El Universo. Es una relización de Jorge Laraia.